JETHRO TULL

JETHRO TULL'S MARTIN BARRE
le vendredi 16/05/2014 à 20h30NEW MORNING New Morning
7-9 R.DES PETITES-ECURIES
75010 PARIS 10 Paris 10 FR

Y a ça qui est manifestement sorti :

https://www.myplaydirect.com/jethro-tull?utm_medium=post&utm_source=facebook&utm_content=jethro%20tull%20d2c%20promote%20eagle%20rock&utm_campaign=jethro%20tull%20d2c%20promote%20eagle%20rock&cid=lg:19n9

J'ai eu la chance de voir JETHRO TULL en 76,77,78,80,81,2000 et 2001!

Interview
Jethro Tull : Ian Anderson revoit ses classiques
lundi, 27 mars 2017 à 12:48 par Philippe Sliwa

Que vous ayez suivi assidûment la carrière de Jethro Tull et de Ian Anderson, que vous ne connaissiez que le culte Aqualung ou que vous soyez totalement novice, l’écoute de ce The String Quartets sera une découverte. Car même les inconditionnels y entendront une nouvelle perspective sur cette longue carrière, sous l’angle de la musique classique.

Redécouvrir et se redécouvrir est donc le thème central de la démarche de ce disque que nous avons évoqué avec Anderson, un musicien qui, comme son oeuvre le suggère, garde l’esprit le plus ouvert possible musicalement, mais pas que, comme en témoigne par exemple sa passion pour les églises chrétiennes malgré le fait qu’il ne soit pas croyant. Un artiste pour qui l’éthique, notamment en ce qui concerne le paiement de ses impôts, est primordiale et Dieu sait si ce thème est d’actualité…



« Je ne suis pas chrétien, mais je suis un grand défenseur du christianisme et un grand adepte de la nature physique des églises en termes d’architecture, d’histoire et d’esthétique. »

Radio Metal : The String Quartet est un album constitué de titres classiques de Jethro Tull joué avec un quatuor à cordes. Peux-tu nous parler de ta relation à la musique classique ?

Ian Anderson (chant, flûte, guitare) : Je suppose que ça remonte à lorsque j’étais enfant, j’ai entendu un peu de musique classique à la radio et je m’y suis intéressé lorsque j’allais à l’école, et puis lorsque j’ai commencé à jouer du jazz et du blues, lorsque j’étais adolescent j’ai laissé ce monde derrière moi pendant un petit moment. Mais arrivé à la fin 1968, lorsque j’enregistrais une chanson qui s’appelle « A Christmas Song », j’ai décidé de faire appel à un quatuor à cordes et j’ai toujours plutôt aimé le son du quatuor à cordes. C’était donc ma première expérience à travailler avec un quatuor à cordes, c’était en 1968, et d’ailleurs, j’ai mis cette chanson sur l’album The String Quartet qui s’apprête à sortir. C’est un petit rappel sentimental sur comment ma relation aux instruments orchestraux a commencé il y a toutes ces années. Mais avec le temps, j’ai souvent fait appel à des quatuors à cordes sur scène et puis en enregistrant de petits orchestres, et je donne occasionnellement des concerts avec des orchestres symphoniques. Et le lien avec la musique classique s’est fait graduellement à mesure que nous évoluions car sur le second album, Stand Up, j’ai enregistré un morceau composé par J.S. Bach qui s’appelle « Bourrée ». C’est un genre de morceau de musique conventionnel basé sur une danse française traditionnelle qui s’appelle la bourrée. De nombreux compositeurs ont composé une bourrée mais la célèbre bourrée de Bach composée pour le lute et transcrite plus tard pour la guitare classique est un morceau que j’ai appris. Je le joue encore aujourd’hui sur scène, il est depuis longtemps associé à Jethro Tull.

D’ailleurs, de façon générale, Bach semble avoir été une de tes influences principales en musique classique…

Probablement parce que c’est le premier morceau de musique que j’ai utilisé. Je veux dire que je ne l’ai pas joué correctement, exactement comme il a été écrit, je n’ai joué qu’une petite fraction du morceau, mais je l’ai utilisé dans un style jazzy syncopé et par la suite, évidemment, j’ai pas mal écouté certains des premiers compositeurs, surtout Beethoven. J’ai enregistré et joué des morceaux de musique qui ont été écris par Mozart et quelques autres compositeurs aussi, mais Bach et Beethoven sont probablement mes deux compositeurs préférés.

Comment décrirais-tu ta collaboration avec John O’Hara sur cet album ?

Nous faisons ce que nous faisons toujours. Nous nous posons et parlons à propos des choses. C’est un musicien qui a une formation classique donc il travaillait sur de nouveaux arrangements pendant que nous parlions et discutions de choses, et nous décidions qui allait jouer quelle partie. Parce que je ne voulais pas être au centre de cet album et parce que d’habitude je jouais la ligne mélodique principale à la flute, je pensais qu’ici ce serait sympa que la plupart du temps on donne la ligne principale au premier violon, et moi je trouverais d’autres choses à jouer, une contre-mélodie, ou une harmonie ou quelque chose de différent. Donc ma contribution est vraiment en soutien du quatuor à corde. Je voulais que ce soit un album de quatuor à cordes, avec un peu de moi en plus mais sans en faire un album de flute ou de chant avec un quatuor à cordes dans le fond, et je ne voulais certainement pas en faire un album de groupe avec un quatuor à cordes dans le fond. J’ai déjà très souvent fait ça par le passé, donc pour cette fois la flute était censée être [un peu en retrait]. Le focus était sur le quatuor à cordes et j’ai eu la chance de trouver le Carducci Quartet qui est un groupe de jeunes musiciens vraiment excellents, très expérimentés, qui jouent ensemble depuis le lycée.

Est-ce que quelque part le but de cet album serait de réconcilier le rock et la culture classique ?

Pas vraiment, il n’y avait aucun but particulier. Nous essayions juste d’exprimer une partie de ma musique d’une façon différente, simplement pour, j’imagine, me démontrer que l’essence d’une mélodie et d’une harmonie peut être exprimée de différentes manières stylistiques. C’est ça ce que nous avons cherché à faire et, dans certains cas, peut-être que c’est mieux réussi que d’autres, mais je n’essaie pas de réunir consciemment quelque sorte de musique que ce soit. J’essaie juste de faire en sorte que la musique se tienne d’elle-même et de la réaliser via une instrumentation différente et un style musical différent.

John a dit qu’il était important pour lui de créer de nouvelles versions de ces chansons et pas seulement des reprises avec un quatuor à cordes. Et à la fois, il disait qu’il voulait rester fidèle à ta musique. Du coup, comment trouver le bon équilibre ?

Dans certaines chansons, nous étions un peu plus aventureux et pour d’autres, nous jouions plus proches de l’original. Dans quelques cas, nous avons grosso-modo réenregistré les versions originales. Certaines chansons étaient déjà très poignantes grâce au quatuor à corde de l’enregistrement original. Et donc je ne voulais pas les changer, c’est tout. Mais il y a certaines chansons que nous avons beaucoup changées, et d’autres peu. Il n’y a pas de règle, ce n’est pas une production d’usine donc chaque chanson devait être traitée différemment suivant la nature de la mélodie et la façon dont le morceau fonctionne. Nous avons essayé de rendre chacun différent dans notre approche.

L’album a été enregistré dans la crypte de la Cathédral Worcester et l’église St. Keneln. Pourquoi avoir opté pour ces lieux et quel a été l’impact en terme de son ?

Le choix était vraiment parce que je ne voulais pas simplement l’enregistrer dans un studio d’enregistrement, sans atmosphère. Je recherchais, pas forcément une ambiance acoustique, mais plutôt une ambiance spirituelle. Je voulais un endroit où je me sente bien. J’ai passé pas mal de temps dans des églises parce que je fais des concerts de Noël dans de supers cathédrales et quelques églises, et lorsque je voyage à travers le monde j’aime voir les églises et cathédrales lorsque je visite une ville. Je ne suis pas chrétien mais je suis un grand défenseur du christianisme et un grand adepte de la nature physique des églises en termes d’architecture, d’histoire et d’esthétique. Ces esthétiques s’étendent à ce type d’atmosphère spirituelle dont, je pense, nous pouvons profiter, que l’on soit chrétien ou pas. On peut toujours ressentir un grand sentiment d’inspiration et d’émerveillement en étant dans ces merveilleux et magnifiques bâtiments, et c’est la raison pour laquelle j’ai choisi d’enregistrer dans ce genre de lieu. En fait, c’était bien plus difficile d’enregistrer dans ce type d’atmosphère que de travailler dans un studio, parce que nous avions constamment des problèmes avec des bruits provenant de diverses sources extérieures. L’acoustique qu’on obtient peut ne pas sonner si bien que ça, et donc c’était un boulot bien plus difficile d’enregistrer dans l’église et la cathédrale, mais je suis content que nous l’ayons fait parce que je trouve que nous avons bénéficié de l’atmosphère, d’un point de vue musical.

« On n’a pas tellement progressé, et ce n’est pas une mauvaise chose, ce n’est pas une condamnation, une critique, c’est juste voir la réalité en face. Si ça avait trop changé, ce ne serait plus du rock. »

Tu as déclaré que cet album est « parfait pour les longs après-midis paresseux sous le soleil, les nuits d’hivers bien fraîches, les mariages et les funérailles. » Est-ce que tu apprécies particulièrement créer ces émotions et sentiments paradoxaux dans ta musique ?

Faire de la musique, c’est communiquer une émotion sensible en racontant une histoire, voire en peignant une image via la musique, et je pense que cette musique est quelque chose que tu contemples, à laquelle tu penses. Ce n’est pas de la musique sur laquelle danser, ce n’est pas de la musique pour sauter comme on le ferait dans un concert de heavy metal, c’est de la musique que tu ressens et à laquelle tu t’associes peut-être plus de façon émotionnelle et pensive, ce qui explique pourquoi j’ai parlé en blaguant de mariages et de funérailles. Mais ça pourrait être n’importe quand lorsque tu t’installes à ton aise pour écouter de la musique et laisse la musique t’atteindre. Comme je l’ai dit, ce n’est clairement pas de la musique pour danser, ce n’est pas de la musique pour faire la fête, c’est sûr.

Un jour tu t’es comparé à « un bon maçon polonais », disant : « Je peux réparer ta plomberie, poser la moquette, réparer ton toit… Je suis le gars qui peut avec fiabilité faire un peu de ceci, un peu de cela. » Penses-tu que ce soit justement ce que les gens aiment dans Jethro Tull ? Le fait qu’ils peuvent te faire confiance pour leur offrir une grande variété de bonne musique et d’émotions ?

Eh bien, je ne connais pas la réponse à cette question mais j’espère que c’est ce qu’ils ressentent, oui. Pour moi, en tant que musicien, c’est important de ne pas faire qu’une seule chose constamment, mais d’avoir une façon plus éclectique et variée de présenter ma musique. Les chansons [sur mes albums] sonnent assez différentes les unes des autres. J’ai été voir l’un des ultimes concerts de Black Sabbath il y a tout juste quelques semaines à Londres. En fait, je n’avais jamais vu Black Sabbath jouer en concert donc ça m’intéressait pas mal de voir ce qu’ils faisaient, et je ne connaissais pas beaucoup de leurs musiques. Mais la chose qui m’a vraiment frappé est que certaines chansons sonnaient très similaires, et il y a avait très peu d’espace où la musique pouvait aller, en termes sonore, en raison de la nature des musiciens et la façon dont ils jouent. C’est comme ça, mais je connais un peu Tony Iommi, et je sais que son intérêt dans la musique est bien plus vaste, il aime plein de types d’instruments différents et différentes approches musicales, mais Black Sabbath est célèbre pour faire un certain type de choses et c’est ce qu’ils jouent lorsqu’ils font des concerts, ou faisaient puis qu’ils n’existent plus. Mais je ne pense pas que j’apprécierais être dans un groupe qui joue tout le temps de la même façon, au même volume, avec les mêmes sons, et le même accent musical, je pense que je me sentirais piégé dans un genre musical.

Tu as une fois déclaré que le « rock n’a pas tellement évolué en cinquante ans », et qu’un groupe comme Muse n’est pas si différent de ce qui se faisait dans les années 70. Qu’est-ce que tu voulais dire par là ?

Je parle d’un point de vue musicologique, c’est-à-dire que lorsque tu analyses la structure du rock tel qu’il était, disons lorsque qu’il a émergé et qu’on a appelé ça du rock à la fin des années soixante, je pense qu’au niveau mélodique et harmonique, il avait à l’époque, et encore aujourd’hui dans une certaine mesure, ses racines dans le blues et dans une certaine mesure dans le rock n’ roll, cette forme de musique très américaine des années cinquante. Mais je ne pense pas que ça ait évolué de la même façon que ça a évolué au cours des dix premières années. Le rock n’ roll de la fin des années soixante à la fin des années soixante-dix s’est très rapidement développé et c’est devenu une forme de musique bien plus riche à cause de nombreuses et diverses influences venant d’ailleurs. Donc tu avais des sous-genres comme le folk rock et le prog rock, mais il y avait une énorme explosion de créativité qui s’est produit à cette période. Je ne crois pas qu’il soit raisonnable de penser que ceci puisse continuer, et ça n’a pas continué. On a vu une autre petite révolution, je suppose, avec la révolution technique des synthétiseurs, de la synthèse digitale et de l’enregistrement digital dans les années quatre-vingt, mais la chose qui a motivé le rock était les changements techniques. En premier lieu, l’invention de la guitare électrique et l’orgue Hammond, donc on parle vraiment, en termes pratique, des années cinquante ; c’est ça qui a motivé les origines du rock. Les guitares Fender et Gibson et les amplis Marshall, c’est ça qui a motivé le rock, ça permettait aux jeunes musiciens de faire ces bruits et créer cette puissante forme de musique. Mais que vois-tu lorsque tu vas à un concert de rock aujourd’hui ? Tu vois des guitares Fender et Gibson et des amplis Marshall, ou d’autres amplis dans le même genre, car presque tous les amplis à lampe ont le même genre de design que Marshall a créé dans les années soixante. Pas grand-chose n’a changé au niveau technologique, et musicalement, on a affaire au même genre d’idées mélodiques et harmoniques, et au niveau des paroles, c’est toujours les mêmes vieux trucs ! On n’a pas tellement progressé, et ce n’est pas une mauvaise chose, ce n’est pas une condamnation, une critique, c’est juste voir la réalité en face. Si ça avait trop changé, ce ne serait plus du rock. Donc dans les groupes de rock d’aujourd’hui, les jeunes groupes ne sonnent pas si différents des groupes des années soixante-dix, quatre-vingt ou quatre-vingt-dix, par rapport à quel point les groupes sonnaient différent en 1975 par rapport à 1965. C’était un énorme changement ! Depuis lors, les quarante années qui ont suivi, les choses n’ont pas changé aussi rapidement, ou pas autant. Et je ne pense pas qu’on pourrait s’attendre à ce qu’elles le fassent. On travaille toujours de la même façon, avec les mêmes instruments musicaux. Si tu mets tes mains sur une guitare Gibson, tu la branches dans un ampli puissant et joues un accord de Mi, ça sonnera exactement comme ça sonnait à la fin des années soixante.

Pour finir, tu as souvent déclaré qu’il était important pour toi de payer tes impôts. Penses-tu que les musiciens et artistes ont tendance à oublier qu’ils sont comme les autres et qu’ils font parti de la société ?

Je pense qu’il y a plein d’artistes qui sont traditionnellement come des stars de cinéma, comme certains politiciens, comme plein de riches industriels, il se cassent énormément la tête pour éviter de payer des impôts. Pas pour le faire illégalement, mais pour faire tout ce qu’ils peuvent pour réduire le feuille d’impôts. Je pense qu’il faut avoir une vision éthique lorsqu’on paye nos impôts. Mon point de vue est que je devrais payer mes impôts de la même façon que tu paies tes impôts. Même si je gagne dix ou vingt fois plus d’argent, je devrais payer le même pourcentage. Je ne devrais pas payer moins ni plus, mais il y a des malins qui font des combines pour protéger leur argent aux Pays-Bas, ou au Liechtenstein, ou en Suisse, ou aux Bahamas, ou peu importe où, et je trouve que c’est immoral ! Et donc, qu’est-ce que je pense de Bono, par exemple, qui est l’un de ces très riches musiciens qui se cassent vraiment la tête pour éviter de payer des impôts ? Ma réponse est : hey, redescends sur terre, tu devrais payer tes impôts comme tout le monde, et même en faisant ça, tu auras toujours une tonne d’argent à la banque, et je trouve que c’est immoral, je trouve que ce n’est pas éthique, et je trouve que c’est une énorme honte que quiconque dans cette position se permette de faire ça. J’éprouve vraiment de la peine pour ça, mais j’ai toujours vécu dans ce pays et j’ai toujours payé mes impôts, et j’ai le sentiment que c’est quelque chose de responsable à faire. Donc c’est ce que je fais, je paie mes impôts. En gros, environ la moitié de ce que je gagne revient au système, ça paie des écoles, des hôpitaux, des services sociaux, pour que notre monde fonctionne. C’est mon rôle de payer des impôts, exactement comme j’espère que tout le monde paie des impôts. Donc oui, c’est un problème éthique pour moi. C’est comme les médecins qui font le serment d’Hippocrate pour sauver des vies, mon serment d’Hippocrate est d’être un bon membre de la société, et je paie mes impôts.

Interview réalisée par téléphone le 14 février 2017 par Philippe Sliwa.
Retranscription : Robin Collas.
Traduction : Nicolas Gricourt.



Source : Radio Metal

Ian Anderson présente le Jethro Tull 50th Anniversary North America Tour . Ci dessous live Locomotive Breath qui vient de l'album de 1971  Aqualung. Des videos du  concert au The Greek Theatre, à Los Angeles, Californie, le 1er juin 2018. Les musiciens sont Ian Anderson Vocals, Flute; Florian Opahle Guitare; Scott Hammond Drums; John O'Hara  piano, claviers et David Goodier Basse. Jethro Tull est l'un des artistes rock progressifs les plus vendus de tous les temps.











Source : RockMeeting

JETHRO TULL : In Concert - BBC

Pas aussi connu que le Bursting Out mais tout aussi bon, Jethro Tull investit ce bon vieil "Hammy" pour y donner un concert de toute beauté (certes incomplet sur ce CD) et ce, en 1991 peu de temps (un peu plus d'un mois) après la sortie de leur nouvel opus d'alors à savoir Catfish Rising au demeurant très bon. On y retrouve d'ailleurs 4 titres de ce nouvel opus à savoir This Is Not Love, le fabuleux Rocks On The Road qui renoue avec les atmosphères tulliennes si chères à nos coeurs avec en solo, la flute ensorceleuse du sieur Anderson et la guitare cristalline de Martin Barre, Still Loving You (rien à voir avec la ballade scorpionnesque) et Tall Thin Girl. Se joignent à la fête, l'opener Minstrel In The Gallery couplé à Cross-Eyed Mary, le trop rare Heavy Horses, le must Thick As A Brick, A New Day Yesterday et étonnamment Jump Start issu de Crest Of A Knave (1987) tout ceci interprétés par un groupe en grande forme, autant vous le dire. Mélodies légères et aériennes bercées par la flute enjôleuse de Ian Anderson, la guitare envoûtante de Martin Barre vous transporteront dans cet univers léger mais palpitant. De l'or en "Barre", ce live !!!!!!

Quelle joie que de pouvoir enfin avoir accès à un ouvrage de référence en français sur Jethro Tull, au moment où le groupe s'apprête à commémorer cinquante années de musique ! Nous avons en mémoire de précieux souvenirs de nos concerts en France pendant cinq décennies et une relation forte avec ce pays puisque notre morceau « Bourée » a été enregistré sur notre second album. Ce livre d'Adrian Michenet-Delys va permettre aux fans français, jeunes et dans la force de l'âge, de revivre l'histoire de Jethro Tull et d'écouter la musique que moi et mes 36 collègues musiciens avons créée et jouée à travers les âges. Maintenant, vous pouvez laisser tomber Google Translate et vous lancer dans l'exploration de ce récit, en intégralité dans votre langue maternelle. Enjoy !

Tout le monde reconnaît le guitariste à droite ???

Tony Iommi

JETHRO TULL : Paris, Salle Pleyel, 24/11/18

31 ans que je n'avais pas vu Jethro Tull et sérieusement, ça commençait à manquer. La musique du groupe m'a globalement toujours plu notamment grâce à ce mélange teinté de folk, de rock parfois de blues et de mélodies acoustiques lorgnant vers le moyen-âgeux. Découvert avec le fabuleux double live de 1978, Bursting Out, j'avais donc décidé de poursuivre ma quête "tullienne" avec des albums comme Aqualung, Crest Of A Knave (pour lequel d'ailleurs, je vis la tournée promotionnelle au Zénith en 1987), Minstrel In The Gallery et de nombreux lives (qu'ils soient officiels ou non....).

Bref voilà donc pour ma relation musicale avec cet immense fleuron du rock anglais.

Blacky, le bien-nommé s'était enfin échappé de sa campagne nivernaise pour se rendre à un concert parisien. Ca faisait longtemps mais il l'a fait. Accueilli comme il se doit par les membres de ma famille, nous nous acquittâmes d'un repas généreux pour ensuite quelques plus tard prendre la direction de la capitale en Mondéo.



Entreprise risquée puisque les gilets jaunes avaient envahi la cité parisienne. Rien ne nous disait donc si nous allions arriver à bon port car la Salle Pleyel, lieu de notre concert n'était guère située très loin des points névralgiques de la manifestation.

Prenant la décision de parquer la voiture à la Porte de Vanves car à chaque fois que je m'y rends je sais et ce, grâce à un pote qui m'affirme que l'on y trouve toujours de la place pour garer en périphérie son véhicule gratuitement.

Au moment d'emprunter le métro, je me suis rappelé la cohue souterraine qui vous bouscule et qui ne vous laisse pas descendre quand vous êtes arrivés à destination. Parvenus non sans mal car suite à un colis piégé découvert dans une station située un peu plus loin sur la ligne 13, le machiniste nous annonce tout de go, que la rame  finit son périple à Montparnasse Bienvenue. Nous étions partis pour aller jusqu'à Place de Clichy.......Changement donc ligne 6 puis direction Charles de Gaulle Etoile et là encore, la rame s'immobilise à Trocadéro, les dernières stations ayant été fermées au public. Blacky frise alors l'apoplexie.



A Troca, on remonte l'avenue Kléber vers l'Etoile et là, des détonations se font entendre là où sont rassemblés les gilets jaunes.







La décision est prise de contourner la place côté gauche, c'est côté avenue de la Grande Armée car côté Champs, on sent bien que ça peut déborder à tout instant. Nous atteignons donc l'avenue de Wagram sans trop de difficultés, enfin si, puisque au moment de redescendre cette avenue mythique (la salle du même nom, l'Empire.....), les yeux nous piquent grave, p***** de lacrymos. La descente de cette avenue (que j'ai parcourue bien des fois), s'avère être la plus pénible de celles que j'ai pu faire auparavant. Cela finit par s'atténuer alors que la charmante place des Ternes se présente devant nous. Il ne nous reste donc plus qu'à remonter le faubourg St Honoré pour parvenir à notre destination finale : la légendaire Salle Pleyel. Une façade qui rappelle étrangement celle de l'Hammersmith Odeon.



Là, nous patientons sagement, attendant que l'ami Purplexed, troisième larron du lot daigne enfin faire une apparition pour le moins remarquée. Son "Coucou" légendaire, toujours teinté d'humour, me fit tressaillir quelque peu. "Fait soif" et ce, malgré la fraîcheur nocturne qui commence à se faire sentir, martèle un Blacky déterminé et bien décidé à aller jusqu'au bout de son idée. Il a bien eu raison car la Ciney qui nous fut proposée fut exquise.







La salle parée de ses plus beaux atours nous ouvre enfin ses portes car reconnaissons-le, il ne fait pas bien chaud en cette fin novembre.







Alors oui, Jethro Tull, qu'en est-il aujourd'hui ? Martin Barre parti vers d'autres horizons musicaux est remplacé par un jeune guitariste répondant au doux nom de Florian Opahle qui, en tant qu'employé du Ian Anderson Band (composé de types à la fois jeunes et "plus confirmés") se contraint de reproduire note pour note les soli de son illustre prédécesseur notamment l'opener My Sunday Feeling. Pour ce 50 ème anniversaire, on commence bien évidemment par le répertoire le plus ancien en l'occurrence Love Story issu de This Was, album de 1968 que j'avoue mal connaître. Certains crieront peut-être "Au scandale !!!!!" mais je m'en tape le coquillard....mdrrrrr On poursuit, toujours issu de cet album, avec l'emblématique A Song For Jeffrey et une belle version de ce titre blues qu'est Some Day the Sun Won't Shine. 1968 correspond, il convient de le signaler, au passage pour le moins très bref au sein du groupe de Tony Iommi (futur Black Sabbath) qui s'illustra lors du Rock And Roll Circus des Rolling Stones.

Notre ami flutiste a pour idée par le biais de cette tournée des 50 ans de rendre hommage aux anciens membres du groupe. Ainsi se succéderont Mick Abrahams, le redoutable batteur Clive Bunker, Jeffrey Hammond et donc notre Tony Iommi.









Sinon durant le set des musiciens que l'on pourra qualifier de "figures" interviendront pour insister à quel point Jethro Tull fut important dans leur parcours musical. Joe Bonamassa présenté par Ian Anderson comme étant celui qui reprend le plus fidèlement le répertoire du Tull, Joe Elliott de Def Leppard, Slash et Steve Harris auront ainsi l'infime honneur de demander leur titre favori au Maître-flutiste qui s'exécutera ipso facto.






Joe Bonamassa

Un p'tit Dharma For One, amputé de son solo de batterie (c'est vrai que les longs solos de batterie, ça appartient à un autre temps selon le grand Ian. Il n'y a encore que Glenn Hughes et son band pour nous Faire supporter ce type d'exercice.....) nous est  proposé devant un public ravi.







C'est la tradition chez le Tull : A New Day Yesterday est forcément enchaîné à Bourée In E Minor et ce, depuis des lustres. Et ce n'est que tout naturellement que le sieur Anderson nous fait étalage de tout son talent de flûtiste virtuose par le biais d'un solo de flûte à aucun moment ennuyeux. J'imagine qu'elle fut la réaction du public (Etonnement ? Mécontentement : là aussi, on s'en tape le coquillard.....mdr) la toute première fois que ce grand échalas s'empara de sa flûte pour exécuter donc une reprise très personnelle du célébrissime morceau du grand Bach à tel point qu'aujourd'hui dans le milieu du Rock, on associe ce "classique"............de la musique classique à Jethro Tull. My God et Thick As A Brick (amputé de sa célèbre introduction, dommage....) concluent ce superbe premier set.

Pour le second set, on passe ensuite à la vitesse supérieure avec l'interprétation des standards du groupe, des standards qui unissent toute une assistance venue les acclamer et ce, malgré les quelques petites faiblesses vocales qui frappent notre ami Ian. Le public n'en a cure, moi le premier et donc après un A Passion Play qui ne m'a jamais emballé plus que ça, ce sont les fabuleux Too Old to Rock 'n' Roll, Too Young to Die, Songs From The Woods, Ring Out Solstice Bells, Heavy Horses (quel grand titre !!!!!!!), Farm On The Freeway (un morceau sublime issu du trop oublié Crest Of A Knave. Tellement voulu qu'ils publient un live de cette fabuleuse tournée) et l'inévitable Aqualung sont interprétés avec une maîtrise déconcertante. Et pourtant l'artilleur en chef, Martin Barre, n'est plus, ainsi que je l'ai précisé au tout début de cette review, dans le groupe depuis quelques années déjà. Locomotive Breath dans une version étirée scelle de fort belle façon un magnifique concert. Vraiment une très belle cérémonie célébrant cette non moins superbe carrière jalonnée d'albums très racés magnifiquement revisités. 50 ans, ce sont aussi les noces d'or pour un couple. Alors pour une telle occasion, autant se remettre du Tull, non ?

Set 1:
My Sunday Feeling

Love Story

A Song For Jeffrey

Some Day the Sun Won't Shine for You

Dharma for One

A New Day Yesterday

Bourrée in E minor

My God

Thick as a Brick


Set 2:
A Passion Play

Too Old to Rock 'n' Roll, Too Young to Die

Songs From the Wood

Ring Out, Solstice Bells

Heavy Horses

Farm on the Freeway

Aqualung

Encore:
Locomotive Breath

Après le show, direction un autre établissement (l'Elysée St Honoré situé au 205, rue du Faubourg St Honoré) où l'on se désaltère et se rafraîchit et ce, en dépit de la température qui, elle aussi, est redescendue de quelques degrés. Accueillis par un patron corse très volubile, celui-ci nous (Blacky, Purplexed, Olivier (qui nous a rejoints) et moi-même) conseille une bière corse très goûtue. Superbe conclusion pour une soirée réussie en tout point. Après ce doux breuvage, reconnaissons que nous étions tous un peu sur les rôts Tull.......

C 'est bien ces séries mais faut toujours poireauter avant le prochain épisode

et puis d abord je frise pas !

Phil a écrit:

Tout le mo:cheers: nde reconnaît le guitariste à droite ???

Je me souviens très bien du rock 🤘🏽 n’roll cirus d’ailleurs je possède le DVD 📀 avec une prestation phénoménale des Who et des Rolling Stones , mais là où le bas blesse, c’est ce groupe moyenageux pitoyable avec ce paltoquet de Ian Anderson avec sa flûte, son manteau ridicule et sa jambe en l’air façon trisomique, voilà c’etait pour remettre les pendules à l’heure marre de lire toutes ces conneries à bon entendeur salut

Jethro Tull est un groupe pour connaisseurs uniquement....

Blacky a écrit:

et puis d abord je frise pas !

Précision importante, tu aurais dû dire : "Je ne frise "PLUS""....

Phil a écrit:

Jethro Tull est un groupe pour connaisseurs uniquement....

Je n’y connais rien, mais faut pas deconner, faut pas pousser mémé dans les orties

Je préfère Jaitrop Bu

Rien à dire pour ce concert qui, il faut le dire, fut excellent de bout en bout. Première fois que je voyais le Tull qui venait défendre sur la scène parisienne du Zénith, son dernier opus à l'époque, intitulé Crest Of A Knave, un album qui, il faut bien le dire, je n'ai pas apprécié de suite puisque certains morceaux étaient parfois calqués sur du Dire Straits, groupe très en vogue à l'époque. Avec le temps, je m'y suis fait et l'ai redécouvert notamment grâce à des titres comme Jump Start, Steel Monkey et les magnifiques Farm On The Freeway et Budapest.. Outre l'indéboulonnable Martin Barre (qui a dévissé depuis), Ian Anderson est entouré de sacrées pointures comme Dave Pegg à la basse, Gerry Conway à la batterie et surtout Don Airey (ex-plein de groupes dont Ozzy Osbourne et Gary Moore et futur plein de groupes comme Deep Purple). Tout ce petit monde se fend d'une prestation absolument impeccable, allant sous la coupe d'un Ian Anderson très en verve ce soir, jusqu'à improviser un amusant petit intermède si ma mémoire ne me fait pas défaut. Des versions magnifiques de Songs From The Woods, Thick As A Brick, Heavy Horses, Hunting Girl et surtout ce nouveau morceau dont tout le monde parle dans l'assistance, à savoir Budapest qui fait de toute évidence l'unanimité sont proposés à un public ravi, vous en conviendrez. Un concert qui, également, met en exergue les talents de nos amis tels que Don Airey et Gerry Conway qui nous gratifient de solos parfaitement gérés. Pas trop longs, pas trop courts, juste ce qu'il faut pour déboucher sur un Jump Start (nouvel album oblige) très étiré. Jump Start, un savoureux hors d'oeuvre avant la dernière ligne droite, royale, celle-ci avec entre autres Too Old To Rock And Roll Too Young To Die, Aqualung, Locomotive Breath, Thick As A Brick repris très brièvement et Wind Up. Après 31 ans presque 32, ce concert fait encore partie de mes préférés et ce n'est pas sans émotion à chaque fois que je le réécoute.

L'autre "branche" du Tull, à savoir Martin Barre, Dee Palmer et Clive Bunker envisage de son côté une tournée célébrant les 50 ans du groupe.

Ce coffret du Tull est une pépite proposant ainsi une re-visite de ce superbe album que tout le monde connaît. Remixé par Steven Wilson et agrémenté d'un livre de 60 pages, de 3 CD's (le CD 1 proposant l'album Songs From The Woods augmenté d'inédits, les CD2 et 3 eux, s'acquittent d'un magnifique double live enregistré lors de la tournée 77 à Landover) et de deux DVD's (l'un audio et l'autre qui n'est que le pendant vidéo du double live mentionné plus haut). Un superbe réédition.