Club d'écoute musicale / Puce à l'Oreille

Celui du 13 février sera consacré aux premiers albums.

Séance du Club d'écoute musicale (La Puce à l'Oreille) cet après-midi à 15h à la Bibliothèque Médiathèque Georges Pérec à Gagny, animée par le pétillant Régis.

Vous trouverez ci-dessous, le verbatim, de mon intervention au premier numéro de la Puce musicale de cette année .

Le disque que je vous propose aujourd’hui est le dernier album en date du groupe « Vintage Trouble » « One Hopeful Road ».
C’est un disque soul. Alors que chaque année, la production de disque de blues est pléthorique, il serait erroné de penser que la production de disque soul soit marginale.
Depuis le début de l’année, quatre autres disques ont attiré mon attention, chacun dans une déclinaison différente :
« Coming Home » de Leon Bridges un jeune texan de 26 ans qui s’inscrit dans la tradition de la soul historique des années 50 / 60 Otis Redding et Sam Cooke.
« Look Closer » de Saun & Starr deux chanteuses choristes qui accompagnent « Sharon Jones » offre une approche plus Rhythm and Blues avec les musiciens les Dap Kings.
Il y a eu également le disque de reformation de « Simply Red » « Big Love », nous sommes là dans la Blue-eyed soul (« soul aux yeux bleus »), qui désigne la musique Soul, interprétée par des artistes blancs.
Enfin, on ne peut passer à coté du deuxième album d’Alabama Shakes « Sound and Color » qui devrait se retrouver dans la liste des meilleurs albums de 2015. C’est une soul matinée de funk avec une chanteuse Brittany Howard à la voix rocailleuse..
Les musicologues ont daté la naissance de la soul avec la chanson « I got a Woman » de Ray Charles en 1954.
Littéralement musique de l’âme, la soul marque l’alliance du Gospel et du Blues, du sacré et du profane.
Le meilleur exemple de ce mélange, nous le trouvons dans les Blues Brothers, où le rôle du révérend « Cleophus James » est interprété par le parrain de la soul James Brown.
Au niveau des textes, la soul, n’est plus du tout religieuse Un des plus grands albums de soul « What's Going On » de Marvin Gaye traite de la drogue, de la pauvreté, de la guerre du Viêt Nam, et même d’écologie.
Près de quarante ans sépare « What’s Going On » de la naissance du groupe Vintage Trouble à Los Angeles. Au départ on trouve deux amis de dix ans Ty Taylor et Nalle Colt.
Ty Taylor à une formation de chanteur de Gospel puis il tourne très très mal, il participe à une émission de télé crochet sur CBS « Rock Star », par chance il ne gagne pas. Mais ses prestations sont remarquées et lui permettent de faire les premières parties des concerts de Tina Turner, Macy Gray ou Eric Clapton.
Nalle Colt est un natif de Malmo, adolescent c’est un champion de skateboard, mais un accident le laisse alité, pour passer le temps il troque un skate contre une guitare électrique. Colt échappe ainsi au destin de son nom du six coups, il est passé à la six cordes.
Un chanteur, un guitariste, il manque une section rythmique, ils contactent le batteur Richard Danielson et le bassiste Rick Barrio Dill.
Ils jouent d’abord dans des salles de Los Angeles chaque semaine. En 2010 ils produisent et enregistrent leur premier album, « The Bomb Shelter Session » dans des conditions artisanales. Ils sont repérés par le manager Doc McGhee, qui s’est occupé de groupes tels que Kiss, Motley Crue ou Bon Jovi.
Il leur propose de commencer à se faire connaître en Europe où il pense que le public sera plus réceptif à leur musique.
C’est le cas, après des passages remarqués dans les émissions musicales anglaises, le disque sort enfin, et devient un succès en quelques jours.
Un groupe de fans s’est constitué mondialement sous le nom des « Troublemakers »
La deuxième stratégie est de leur trouver des contrats pour faire les premières parties dans des grandes salles ou dans des stades.
C’est Bryan May qui le premier leur donne leur chance, bientôt suivi par une impressionnante liste The Who, Dave Matthews Band, Bon Jovi, Lenny Kravitz et beaucoup d’autres.
Le dernier coup d’éclat c’est la première partie de la tournée européenne d’AC-DC incluant le stade de France.
Le deuxième disque nait du hasard. Ils travaillent avec Booker T. Jones, illustre membre du groupe de Soul « Booker T. and the M.G.'s » sur de nouvelles chansons.
Don Was est curieux d’entendre ces « Vintage Trouble » dont il ignorait l’existence.
En quelques mesures, il est conquis.
Ancien membre du groupe Was (not Was), Don Was a quelques quartiers de noblesse comme producteur des Rolling Stones, Bob Dylan, Iggy Pop, Joe Cocker et c’est surtout le directeur du label de Jazz prestigieux Blue Note. Il signe aussitôt le groupe et produit également le disque.
La crainte que l’on pouvait avoir était que l’album soit surproduit.
Ce n’est pas du tout le cas, le disque est enregistré dans les conditions du live, Don Was s’installant au milieu du studio, tel un micro qui cherche à capter le meilleur son. Quand son corps remue en rythme la prise est bonne.
Les chansons sont signées par les quatre membres du groupe, Ty Taylor chanteur principal, et les autres musiciens qui assurent les chœurs.
L’album n’est pas monolithique. Nous y trouvons des ballades lentes comme le superbe « Another Man Words », des chansons plus rythmées comme le rock « Angel City, California » où l’influence du Creedence Clearwater Revival est évidente.
Je vous propose d’écouter un gospel survitaminé « Run Like The River ».
Les paroles explicitent le titre de l’album « One Hopeful Road » : la mère du chanteur lui a expliqué depuis son plus âge, que le fait de courir à travers le monde en chantant est le premier pas sur la route de l’espoir.
Les riffs du guitariste sont tranchants comme un sabre laser, la section rythmique épileptique, et le chanteur en transe, il réunit la suavité des timbres de voix de la Motown et l’énergie brute des disques de la Stax.
Je vous propose de découvrir « Vintage Trouble » approximativement « Mauvais Cru », et vous laisse juge de l’appréciation, mais pour moi c’est un grand millésime

Merci infiniment mon Jj !!!!!!!!!!!!!!!!!

Voici donc le verbatim (consacré au 1er album de Van Halen) de la présentation effectuée cet après-midi au Club d'écoute musicale dont les thèmes étaient axés autour des premiers albums et de la "toute première fois" durant laquelle nous avons entendu tel ou tel album :

Vous trouverez ci-dessous, le verbatim de ma présentation du disque de Robert Mitchum   "Calypso - Is Like So" dans le cadre du brunch musical thématique la première fois.

Lorsque la thématique « La première fois » a été choisie, j’ai plongé dans ma Cdthèque pour retrouver un disque qui présente un double avantage: c’est le premier disque et quasiment le dernier de Robert Mitchum « Calypso is like so ». Il pourra donc resservir dans le cadre d’une prochaine thématique, « La dernière fois ».
Robert Mitchum est né en 1917, dans le Connecticut, d’une famille désunie. Il est rapidement livré à lui-même, menant une vie errante, enchaînant les métiers, boxeur, mineur, ouvrier dans l’aéronautique. Arrivant en Californie, il écrit les prédictions de l’astrologue des stars d’Hollywood  Caroll Righter. Sa vocation d’acteur est profonde, quand on lui demande quel a été le déclic de sa carrière, il répond: "Un jour, j'ai vu un film relatant les aventures du chien Rintintin. Et je me suis dit: si lui peut le faire, je peux le faire".
Son jeu, teinté de fausse nonchalance, est à l’opposé de l’Actor’s Studio. Néanmoins quand il apparaît en infirmier, militaire, cow-boy ou révérend; immédiatement on croit à son personnage.
C’est un des rares acteurs hollywoodiens qui a pu interpréter tout au long de sa carrière des rôles de héros, ou de méchants. Humphrey Bogart, Lee Marvin, Richard Wydmark ont commencé dans des rôles de « Bad Guys ». Mais une fois qu’on leur a proposé de jouer des rôles positifs, ils sont restés dans ce registre. Ce n’est pas le cas de Robert Michum, il a à son actif plusieurs méchants mémorables, il est terrifiant dans « Les Nerfs à Vifs » opposé à Grégory Peck. Il aurait pu jouer le personnage du héros. Je ne suis pas sur que Grégory Peck eu été convaincant si la distribution avait été inversée.
Parmi les 135 rôles qu’il a tenu, j’en ai retenu quatre majeurs qui symbolisent la variété de sa carrière. Dans « La Griffe du Passé » de Jacques Tourneur, il joue le rôle d’un détective privé  qui va être irrémédiablement conduit vers une destinée funeste en poursuivant une femme fatale. Cet antihéros est l’archétype du film noir.
Son personnage le plus marquant est certainement celui d’un prêcheur itinérant de la « Nuit du chasseur », unique film de Charles Laughton. Mitchum a un tatouage sur chacune de ses mains. L’une porte le mot « Love », l’autre le mot « Hate ». Il pourchasse deux enfants qui connaissent l’emplacement d’un magot caché par leur père condamné à mort.
Qui dit acteur hollywoodien, dit western. Mon préféré est « La Vallée de la Peur » de Raoul Walsh une histoire de vengeance aux accents psychanalytiques.
C’est aussi un western psychologique, c’est à dire un western ou le cow-boy est plus intelligent que son cheval.
Et enfin « Celui par qui le scandale arrive » mélodrame flamboyant de Vincente Minnelli, où il joue un chef de clan tyrannique, séducteur et monstrueux qui va être emporté par le poids de ses fautes.
Il n’a jamais joué dans des comédies musicales. Néanmoins, il lui est arrivé de chanter dans ses films. Dans le western « Rachel and the Stranger » il interprète « Just Like me » s’accompagnant au banjo et réussissant l’exploit de ne faire aucun accord. Dans « La Nuit du Chasseur », il interprète « Leaning » devant la maison où ont été recueillis les enfants, Lilian Guish reprenant la chanson façon cantique, face à lui,  un fusil à la main. Enfin, la légende dit qu’il chanta le générique du film  « The River of no Return ».

Robert Mitchum n’a jamais voulu faire carrière de chanteur, le disque est né de la rencontre, d’un acteur et d’une musique le « Calypso ». Elle fut facilitée par l’entremise d’une bouteille, ou plutôt de barils de Rhum.

En effet, en 1956, Robert Mitchum est la vedette d’un film d’aventure exotique « L’enfer de Tropiques », avec Rita Hayworth et Jack Lemmon. Le lieu de tournage se situe dans les iles de Trinité et Tabago au large du Venezuela. Même il avoue s’être très bien entendu avec le réalisateur et les autres acteurs, hors plateau, il s’ennuie.  
Il s’inspire alors des travaux de Claude Levi-Strauss et entreprend alors une étude anthropologique minutieuse de tous les bars de Port-Saint-Louis. Nous sommes relativement loin de « Triste Tropique »
Dans ces lieux de perdition, il découvre la musique populaire locale : « le calypso », une musique de carnaval à deux temps. Il fait connaissance des vedettes du genre « Lord Melody » et « Mighty Sparrow ».
Habitué à changer d’accent dans ses rôles, il s’imprègne du phrasé, des intonations de ces chanteurs.
Retour au Etats-Unis, où son agent lui apprend qu’il ne devait pas tourner un film à Trinidad, mais deux.
Le second « Dieu seul le sait » est un film de guerre de John Huston avec Deborah Kerr. Nouvelle tournée des bars, où il se persuade qu’il y a quelque chose à faire avec cette musique. Il repère une douzaine de chansons qu’il estime pouvoir faire apprécier au public américain.
Il contacte le label « Capitol Record » qui produit à l’époque Frank Sinatra, et leur présente son projet. Cette maison de disque est d’autant plus intéressé que le calypso n’est pas inconnu aux Etats-Unis.
Dès 1945 les Andrews Sisters ont popularisé le genre avec « Rhum and Coca Cola ».
En 1956, Harry Belafonte acteur et chanteur né à New York avait sorti un album dénommé « Calypso » qui est resté en tête des ventes pendant 31 semaines et cela malgré la concurrence d’Elvis Presley.
Le projet est accepté. Bob Mitchum impose de faire venir un véritable groupe de musiciens de la Trinité. Il ne songe pas à chanter sur l’album, mais les producteurs ont été convaincus par la profondeur de la voix, et l’authenticité qu’il donne à son chant, évitant l’imitation et encore moins la moquerie.
Les paroles des chansons vont être édulcorées pour le public américain. La censure n’aurait pas accepté la crudité des textes originaux. Toutefois, un certain machisme de plus ou moins bon goût persiste. Dans « From a logical point of view », la traduction donne: « Si tu veux être heureux et vivre une vie de roi, n’épouse jamais une jolie femme ».
L’album sort en mars 1957 et à défaut d’un immense succès populaire, il renforce la stature iconique de l’acteur.
La pochette a traversé les années. C’est le symbole du cool tel que l’on continue encore à se représenter l’acteur.
Je vous propose d’écouter la première chanson de l’album un véritable classique du genre « Jean and Dinah ». C’est un titre où la voix est mise en valeur, sans aide de chœurs, la rythmique est renforcée par un jeu de trompette vivifiant.
Robert Mitchum malgré la qualité de son jeu, son nombre de films marquants, n’a jamais obtenu d’oscar. Il considéra, l‘accomplissement de ce disque comme sa récompense.
Au milieu des années 1950, sont apparus deux Calypsos: le genre musical et le navire de Jacques-Yves Cousteau.  En lieu et place du  « Monde du Silence », je vous invite à profiter de la musique des caraïbes.

Merci JJ !!!!!!!!! Régis a dit que nous avions été "très bien", mon cher JJ !!!!!!!

Régis : "Bonjour,

Le samedi 9 avril à 16h, venez régaler vos oreilles grâce à une sélection musicale autour de la gourmandise.
Tout public.
Entrée libre dans la limite des places disponibles.

La Puce à l'Oreille, écoute gourmande, dans le cadre de "La gourmandise à l'honneur dans les bibliothèques de Versailles".

Ce sera ça samedi prochain....

Voici le verbatim de ma présentation au Club d'écoute de cet après-midi :

Vous trouvez-rez ci-dessous le verbatim de ma présentation du disque de "Mavis Staples / Livin' on a High Note" lors du brunch musical à la médiathèque de Gagny.
Le disque que je vous propose aujourd’hui est le dernier album en date de la chanteuse afro-américaine « Mavis Staples ».

Ce choix m’est apparu évident pour trois raisons liées  à l’actualité musicale.
 La première est que l’album « Livin' on a High Note » paru fin février 2016 est un vrai coup de cœur qui persiste depuis ces derniers mois.
 La deuxième est par ce que Mavis Staples est l’objet d’un documentaire réalisé par Jessica Edwards « Mavis ! » qui a été diffusé par la chaine HBO, il y a quelques semaines..
 La troisième plus triste est liée à la disparition, il y a un mois jour pour jour, de Prince Rogers Nelson, l’artiste que l’on appelait Prince. Dans les coulisses , suite à un concert qu’elle avait donné,  Prince lui propose de travailler avec elle Pendant sept ans elle rejoint la planète du « Petit Prince ».

Retracer la vie de Mavis Staples, c’est retracer une partie de la musique mais également de l’histoire américaine au travers du groupe « The Staples Singers ». Ce groupe est mené par Roebuck "Pops" Staples. « Pops » est né dans le Mississipi dans une plantation de coton. Adolescent il est initié à la guitare blues par Charlie Patton un  des pionniers du  Delta Blues. Après son mariage, la famille déménage  à Chicago où il travaille dans des chantiers de construction. Il participe à un groupe « The Trumpet Jubilees » mais il n’est pas satisfait de l’implication des autres membres  Il monte donc son propre groupe avec ses enfants trois filles et un garçon. Mavis née en 1939 en est la benjamine. Ils se produisent d’abord dans des églises en chantant du gospel, mais ce n’est pas du gospel traditionnel car il est associé au blues. Rapidement, la jeune Mavis devient la vedette du groupe.
A ce moment du récit, vous vous dîtes  que je me  suis trompé dans mes fiches, un père qui monte un groupe, avec ses enfants, dont le plus jeune va devenir célèbre, il a confondu avec la vie de Michael Jackson ! Et non, mais  de temps en temps l’histoire de la musique a tendance a bégayer.
On peut également dire que l’histoire de la famille Staples est au gospel soul, ce que la « The Carter Family » est au folk, y compris son caractère religieux.
The Staples Singers ont repris « Will the Circle Be Unbroken » popularisé par  Johnny Cash, et on peut trouver la vidéo sur internet avec Johnny Cash, June Carter Cash, Pop Staples chantant ensemble cette chanson.
A la suite du succès rencontré dans les églises, le groupe signe sur the Royal label en 1953 pour un premier single « These Are They », et pendant près de trente ans, ils vont imprimer l’histoire de la musique en accompagnant son évolution, Chez Epic Record, leur musique devient plus folk. Ils reprennent par exemple la chanson « For What It’s Worth »  de Buffalo Springfield, le groupe de Neil Young. La musique devient soul chez Stax avec deux disques produits par Steve Cropper. Après la faillite de Stax, ils rejoignent le label de Curtis Mayfield et cosignent avec lui une BO Rhythm and Blues d’un film réalisé par Sidney Poitier « Let’s Do It Again » en 1975.

« The Staples Singers » c’est aussi la petite histoire qui rencontre la grande. En 1963 à Montgomery, ils donnent un concert auquel assiste le révérend Martin Luther King, et ils le rencontrent après le spectacle. Cette rencontre va changer leur carrières. Les paroles de leur chanson s’inspirent de la lutte pour l’égalité des droits civiques. Ils chantent souvent avant que Martin Luther King ne prenne la parole.
« The Staples Singers » c’est aussi la rencontre entre la musique noire américaine, et le folk rock blanc. L’influence de Pops Staples sur Bob Dylan est considérable. Bob Dylan rencontre la famille lors d’un festival et a une relation amoureuse pendant plusieurs années avec Mavis Staples, lui proposant même le mariage. Mavis refuse, se trouvant trop jeune et estimant que le pays n’était pas prêt pour accepter un couple mixte aussi iconique et médiatisé. Bob Dylan y perd sa voix et depuis je crois ne l’a pas retrouvé.
Le point culminant de la rencontre entre les deux univers musicaux a été filmé par Martin Scorsese dans le documentaire « The Last Waltz » dernier concert du groupe the Band où les deux groupes donnent l’interprétation ultime de la chanson « The Weight ».
Mavis Staples a entammé en parallèle dès 1969 une carrière solo composé de 16 albums. Elle a été produite par les plus grands artistes.
Prince lui a écrit deux disques au sein du label Paisley Park « Time Waits for No One » en 1989 et “The Voice” en 1993. Elle participe également au film « Graffitti Bridge » réalisé en 1990, considéré comme une suite de « Purple Rain ». Si les qualités cinématographique du film sont discutables, il reste néanmoins une BO magnifique dont le titre qu’elle interprète « Melody Cool ».
En 2007, Ry Cooder  produit son album, qui ne s’appelle pas Buena Mavista Social club mais « We'll Never Turn Back ». Ce sont des succès d’estime.
Le grand succès vient en 2010 et 2013 avec deux albums produits par le guitariste, chanteur du groupe Wilco Jeff Tweedy. Le premier « You Are Not Alone » remportant un Grammy Award dans la catégorie « Best Americana Album »

L’album que je vous propose  aujourd’hui « Living in a High Note » est produit par Matthew Stephen Ward dit M. Ward, un artiste folk que je considère comme une des plus grandes découvertes de ces dernières années. Il mène une carrière dans le groupe « She and Him » en duo avec l’actrice Zoey Deschanel, lointaine descendante du président  de la troisième république Paul Deschanel. Ils ont fait 4 albums ensemble She & Him Volume 1 , Volume 2, Volume 3 et .. « She & Him Classics » le dernier ne s’appelant pas volume 4 certainement pour vouloir se différencier définitivement de Led Zeppelin. Il mène également une carrière solo avec deux superbes albums « A Wasteland Companion » en 2012 et « More Rain » cette année.
En changeant de producteur, Mavis Staples a échangé un petit Tweedy contre un gros Mathew, et cela certainement le jour de la Saint Sylvestre.
Dans ce disque, Mavis Staples a fait appel à la nouvelle génération soul, folk pour lui fournir des titres inédits : Je ne peux pas tous les citer mais on retrouve Ben Harper, Aloe Black, la chanteuse country Nekko Case mais aussi le rockeur Nick Cave.

Au départ Mavis Staples avait donné comme cahier des charges à M. Ward, de fournir un disque joyeux. Elle avait cité comme exemple la chanson « Happy » de Pharrell Williams. Evidemment, le maître d’œuvre obéit, l’exemple parfait est la chanson « Don’t Cry », ne pleure pas.
En fait, le projet est détourné mais c’est finalement le parcours d’une vie. Ainsi dans la dernière chanson de l’album, « MLK words » M. Ward met en musique des extraits des discours de Martin Luther King.
Le titre « Don ‘t Cry » que nous allons écouter est  une petite perle digne des classiques de la Motown, au style très épuré, en prise direct sans effets superflus, la voix chaude de Mavis Staples suffisant à remplir tout l’espace sonore. Aucun titre ne devrait être diffusé en boîte de nuit, mais l’album vaut mieux que cela,  finalement il permet de redécouvrir Mavis en rose.

Magnifique et merci infiniment, mon JJ !!!!!!!!!!

Prochain club d'écoute : samedi 1er octobre à 15:00 à la Bibliothèque Georges Pérec de Gagny.

Ainsi que l'a souligné Régis, le Club d'écoute musicale (La Puce à l'Oreille) existe depuis près de 9 ans, un moment qui rassemble toujours autant de mélomanes passionnés. Ce fut encore une séance pleine d'émotion, notamment les albums de Gregory Alan Isakox évoluant dans un magnifique folk US et de Michael Kinawuka s'inscrivant dans une soul traditionnelle faisant presque oublier ses illustres prédécesseurs. En ce qui me concerne, j'avais opté pour le dernier album de Mother's Finest intitulé Goody 2 Shoes & The Filthy Beasts qui m'a accompagné une bonne partie de l'année 2015.













Intervention dédiée à Hervé Roche, guitariste des Lizzy Riders qui nous a quittés tout récemment.

Vous trouverez ci-dessous, le verbatim, de mon intervention au premier numéro de la Puce à l'oreille de cette année .

Le disque que je vous propose aujourd’hui est le premier CD du chanteur Marvin Jouno « Intérieur Nuit ».  
Mieux qu’un coup de cœur ce premier disque propose une vrai expérience en apnée musicale . C’est un disque dont on s’imprègne, qui s’écoute, s’entend, se lit, provoque des émotions intimes, fait voyager en évoquant des paysages.  
Marvin Jouno est un jeune trentenaire né à Saint Brieuc, et qui a grandi à Corbeil-Essonnes. Il raconte que ses parents n’avaient pas choisi de prénom à la naissance et en parcourant leur discothèque, ils sont tombés sur un disque de Marvin Gaye. Merci, merci à lui, car s’ils avaient écouté Screaming Jay Hawkins ou Electric Light Orchestra, l’officier d’état civil aurait peut-être tiqué.  Quoique Elo Jouno aurait été assez cool.

Il a d’abord démarré sa carrière dans le milieu du cinéma. Il a étudié  la mise en scène, puis a travaillé dans les métiers techniques de l’audiovisuel pendant dix ans : accessoiriste, assistant puis chef décorateur pour des films, des séries, des clips, des réclames publicitaires. Il a même été brièvement tapissier à la comédie française.
Parmi les films auxquels il a participé,  deux vous sont peut-être familiers.
« Les Fragments d’Antonin » sorti en 2006 de Gabriel Le Bomin avec Gregori Derangère et Anouk Grinberg  qui se déroule à la fin de la première guerre mondiale et narre les chocs post-traumatiques subis par les poilus et les méthodes du professeur Labrousse pour tenter de les guérir.
Le second film "Survivre avec les loups" est un film de la productrice réalisatrice Véra Belmont adaptation du roman de Misha Defonseca, qui raconte le parcours d’une petite fille qui traverse l’europe Nazie pour retrouver ses parents déportés et qui intègre une meute de loup. Le livre a fait polémique sur sa véracité, Véra Belmont a fait comme John Ford dans « L’Homme qui a tué Liberty Valance » et a imprimé la légende.

En parallèle, à ses activités dans le cinéma, Marvin Jouno a commencé une activité de photographe et de musicien.
Et puis, petit à petit, la musique a commencé à prendre de plus en plus de place. Il a travaillé sur ce projet d’album pendant deux ans avec ses proches. Comme producteur, il a  choisi un ami d’enfance Angelo Foley. Ce dernier a travaillé entre autre avec « Christine and the Queens », et sa légion d’honneur est d’avoir mixé un morceau de David Bowie pour une publicité d’une grande marque de luxe. Il a composé la musique avec Agnès Imbault dont l’instrument de prédilection est le clavier. Cette claviériste déploie son talent dont des univers musicaux allant du classique au jazz, de l’électro au rock.
C’est grâce à des radios-crochet » « Les talents Europe 1 », « Nous avons les moyens de vous faire chanter sur France-Inter » puis « Les Inouïs du Printemps de Bourges » qu’il se fait répérer. Il a chanté ainsi en première partie de Cali à Rennes, de Jeanne Cherhal à la Cigale.
Actuellement, il assure la première partie de Zazie.

Marvin Jouno veut réaliser une « pop à la française » sophistiquée mais pas élitiste.
La méthode de composition des chansons est la suivante Il écrit d'abord les textes. Il ne les finalise pas avant d'avoir trouvé la composition adéquate. Les paroles sont dans un premier temps, des prises de notes, des bons mots, des couplets écrits sous différentes formes afin de pouvoir les adapter à la ligne de chant à venir.
Son parler chanter et ses intonations de voix ont fait pensé pour beaucoup à Benjamin Biolay. J’y retrouve pour ma part les premiers disques de Jean-Louis Murat en particulier « Cheyenne Autumn », sans l’accent jurassien « Je jette une orange vers l’astre mort, quand s’éveille l’aaaange dans mon pooovre corrrps ».
Musicalement le disque est recherché et puise ses influences chez Bjork et Radiohead avec leurs arrangements subtils, matinées de sonorités étonnantes sublimant l’ensemble. La musique peut être contemplative ou très urbaine avec l’utilisation de synthétiseurs marqués années 1980. Ce coté urbain, m’évoque le disque concept musical de Marc Lavoine « L’heure d’été », qui est complètement pétri de cette musique avec Martin Jenkins spécialiste de la house  au clavier.
Ce qui m’a passionné c’est la recherche des références cinématographique ainsi le jeu sur la langue française.
Pour le cinéma, commençons par la pochette qui présente des bandes noire en haut et en bas comme un film au format 1.85, et lorsque on la déplie renvoie à une image en panorama. Le titre du disque "Intérieur Nuit" évoque un terme scénaristique pour situer une scène. Chaque titre est ainsi décrit par une ambiance.
"Antoine de 7 à 9" est une référence au film de la nouvelle vague "Cléo de 5 à 7" d’Agnès Varda. C’est également une errance dans un Paris très loin des images de carte postale, d'une jeune femme tout d'abord insouciante puis de plus en plus angoissée et assumant sa vie, en attendant les résultats d'un examen médical. Elle rencontre un jeune homme Antoine qui va être incorporé en Algérie. La chanson évoque le point de vue du jeune homme après son arrivée dans le désert. Il narre leur brève rencontre, et les regrets que la grande histoire, les ait séparés.
"Le Grand Sommeil" est une reprise d’Etienne Daho. L’ambiance du titre « Intérieur Jour, chambre appartement rue de Rennes » est évidemment associée aux origines musicales rennaises de Daho avec son groupe « Marquis de Sade ». "Le Grand Sommeil" est d'abord un roman policier de Raymond Chandler. Deux films sont tirés de cette œuvre, le plus célèbre est la version de 1946 avec Humphrey Bogart et Lauren Bacall. A noter que la chanson est incluse dans l'album "La Notte, la Notte", qui est aussi un film de Michelangelo Antonioni.
« Dans quitte à me quitter » il y a une référence à « Va vis et deviens » film de Radu Mihaileanu.
Jeudi 25 août, Marvin Jouno a donné un concert lors du Festival du Film Francophone d'Angoulême. Et le soir même a été diffusé un moyen métrage influencé par Tarkoski et Wenders rassemblant les clips de l’album et qui donnent une cohérence à l’ensemble des titres.
Regardons, le jeu sur la langue française. Les paroles sont à double sens, ce qu’on entend n’est pas ce qu’on lit. Dans une de ces premières chansons « L’ivoire » le ton est donné. Cela peut se comprendre comme lire et voir. Dans « Antoine de 5 à 7 », il chante « j’ai encore moins que 5 à 7 et on lit ascètes comme adjectif d’ascètisme ». « Larme blanche »  peut se comprendre comme lacrymal ou comme couteau. Dans « Quitte à me quitter » on entend « de mon abri souterrain » et en fait il est écrit « sous tes reins ». Il y a aussi des fulgurantes poétiques comme « Tes murmures ont mes oreilles », « Je n’ai pas fini voyage au bout de l’ennui », « J’ai cru Bruxelles plus belle et ma peine capitale », « J’ai le soleil en sac à dos ».
La chanson « Love Later » se traduit comme un amour plus tard, mais aussi un jeu de mot sur Letter : lettre manuscrite ou alphabétique. Dans le texte toutes les lettres de l’alphabet sont écrites dans l’ordre lexicographique en lettre capitale de A « A priori » à Z « on fera un feu pour qu’il nous (Z)aide » . C’est aussi une référence à l’album des anglais de Metronomy.
Je vous propose d’entrer dans le monde de Jouno, via le titre rythmé  « Si le vous vous plait »
Après je vous conseillerai si vous empruntez le disque de vous pencher sur les paroles tels que les Lee, Marvin.

Merci cher Jj !!!!!!!!!!!!

Jean-Jacques, Philippe... vous êtes mes héros ! Merci !

Et toi, tu es notre Maître à tous !!!!!!!!!!!!!!!!

Club d'écoute musicale thématique : "Musique et Paysage".

Samedi 15 octobre à 16:00 - 17:30

Médiathèque du Ru de Nesles, 11 Avenue des Pyramides, 77420 Champs-sur-Marne.

Prestation de JJ :



Avec Marie-Jeanne à gauche...

https://led-zeppelin.forumsactifs.com/t717-marie-jeanne?highlight=marie

T' en fais une tête mon Penchou!!??
Il débriefait le dernier Céline Dion ton pote ou quoi ???

Auparavant au Club d'écoute musicale, les participants consommaient ceci.

Et ça vient de l' île fantastique ???