Club d'écoute musicale / Puce à l'Oreille

Voici donc le verbatim (consacré au 1er album de Van Halen) de la présentation effectuée cet après-midi au Club d'écoute musicale dont les thèmes étaient axés autour des premiers albums et de la "toute première fois" durant laquelle nous avons entendu tel ou tel album :

Vous trouverez ci-dessous, le verbatim de ma présentation du disque de Robert Mitchum   "Calypso - Is Like So" dans le cadre du brunch musical thématique la première fois.

Lorsque la thématique « La première fois » a été choisie, j’ai plongé dans ma Cdthèque pour retrouver un disque qui présente un double avantage: c’est le premier disque et quasiment le dernier de Robert Mitchum « Calypso is like so ». Il pourra donc resservir dans le cadre d’une prochaine thématique, « La dernière fois ».
Robert Mitchum est né en 1917, dans le Connecticut, d’une famille désunie. Il est rapidement livré à lui-même, menant une vie errante, enchaînant les métiers, boxeur, mineur, ouvrier dans l’aéronautique. Arrivant en Californie, il écrit les prédictions de l’astrologue des stars d’Hollywood  Caroll Righter. Sa vocation d’acteur est profonde, quand on lui demande quel a été le déclic de sa carrière, il répond: "Un jour, j'ai vu un film relatant les aventures du chien Rintintin. Et je me suis dit: si lui peut le faire, je peux le faire".
Son jeu, teinté de fausse nonchalance, est à l’opposé de l’Actor’s Studio. Néanmoins quand il apparaît en infirmier, militaire, cow-boy ou révérend; immédiatement on croit à son personnage.
C’est un des rares acteurs hollywoodiens qui a pu interpréter tout au long de sa carrière des rôles de héros, ou de méchants. Humphrey Bogart, Lee Marvin, Richard Wydmark ont commencé dans des rôles de « Bad Guys ». Mais une fois qu’on leur a proposé de jouer des rôles positifs, ils sont restés dans ce registre. Ce n’est pas le cas de Robert Michum, il a à son actif plusieurs méchants mémorables, il est terrifiant dans « Les Nerfs à Vifs » opposé à Grégory Peck. Il aurait pu jouer le personnage du héros. Je ne suis pas sur que Grégory Peck eu été convaincant si la distribution avait été inversée.
Parmi les 135 rôles qu’il a tenu, j’en ai retenu quatre majeurs qui symbolisent la variété de sa carrière. Dans « La Griffe du Passé » de Jacques Tourneur, il joue le rôle d’un détective privé  qui va être irrémédiablement conduit vers une destinée funeste en poursuivant une femme fatale. Cet antihéros est l’archétype du film noir.
Son personnage le plus marquant est certainement celui d’un prêcheur itinérant de la « Nuit du chasseur », unique film de Charles Laughton. Mitchum a un tatouage sur chacune de ses mains. L’une porte le mot « Love », l’autre le mot « Hate ». Il pourchasse deux enfants qui connaissent l’emplacement d’un magot caché par leur père condamné à mort.
Qui dit acteur hollywoodien, dit western. Mon préféré est « La Vallée de la Peur » de Raoul Walsh une histoire de vengeance aux accents psychanalytiques.
C’est aussi un western psychologique, c’est à dire un western ou le cow-boy est plus intelligent que son cheval.
Et enfin « Celui par qui le scandale arrive » mélodrame flamboyant de Vincente Minnelli, où il joue un chef de clan tyrannique, séducteur et monstrueux qui va être emporté par le poids de ses fautes.
Il n’a jamais joué dans des comédies musicales. Néanmoins, il lui est arrivé de chanter dans ses films. Dans le western « Rachel and the Stranger » il interprète « Just Like me » s’accompagnant au banjo et réussissant l’exploit de ne faire aucun accord. Dans « La Nuit du Chasseur », il interprète « Leaning » devant la maison où ont été recueillis les enfants, Lilian Guish reprenant la chanson façon cantique, face à lui,  un fusil à la main. Enfin, la légende dit qu’il chanta le générique du film  « The River of no Return ».

Robert Mitchum n’a jamais voulu faire carrière de chanteur, le disque est né de la rencontre, d’un acteur et d’une musique le « Calypso ». Elle fut facilitée par l’entremise d’une bouteille, ou plutôt de barils de Rhum.

En effet, en 1956, Robert Mitchum est la vedette d’un film d’aventure exotique « L’enfer de Tropiques », avec Rita Hayworth et Jack Lemmon. Le lieu de tournage se situe dans les iles de Trinité et Tabago au large du Venezuela. Même il avoue s’être très bien entendu avec le réalisateur et les autres acteurs, hors plateau, il s’ennuie.  
Il s’inspire alors des travaux de Claude Levi-Strauss et entreprend alors une étude anthropologique minutieuse de tous les bars de Port-Saint-Louis. Nous sommes relativement loin de « Triste Tropique »
Dans ces lieux de perdition, il découvre la musique populaire locale : « le calypso », une musique de carnaval à deux temps. Il fait connaissance des vedettes du genre « Lord Melody » et « Mighty Sparrow ».
Habitué à changer d’accent dans ses rôles, il s’imprègne du phrasé, des intonations de ces chanteurs.
Retour au Etats-Unis, où son agent lui apprend qu’il ne devait pas tourner un film à Trinidad, mais deux.
Le second « Dieu seul le sait » est un film de guerre de John Huston avec Deborah Kerr. Nouvelle tournée des bars, où il se persuade qu’il y a quelque chose à faire avec cette musique. Il repère une douzaine de chansons qu’il estime pouvoir faire apprécier au public américain.
Il contacte le label « Capitol Record » qui produit à l’époque Frank Sinatra, et leur présente son projet. Cette maison de disque est d’autant plus intéressé que le calypso n’est pas inconnu aux Etats-Unis.
Dès 1945 les Andrews Sisters ont popularisé le genre avec « Rhum and Coca Cola ».
En 1956, Harry Belafonte acteur et chanteur né à New York avait sorti un album dénommé « Calypso » qui est resté en tête des ventes pendant 31 semaines et cela malgré la concurrence d’Elvis Presley.
Le projet est accepté. Bob Mitchum impose de faire venir un véritable groupe de musiciens de la Trinité. Il ne songe pas à chanter sur l’album, mais les producteurs ont été convaincus par la profondeur de la voix, et l’authenticité qu’il donne à son chant, évitant l’imitation et encore moins la moquerie.
Les paroles des chansons vont être édulcorées pour le public américain. La censure n’aurait pas accepté la crudité des textes originaux. Toutefois, un certain machisme de plus ou moins bon goût persiste. Dans « From a logical point of view », la traduction donne: « Si tu veux être heureux et vivre une vie de roi, n’épouse jamais une jolie femme ».
L’album sort en mars 1957 et à défaut d’un immense succès populaire, il renforce la stature iconique de l’acteur.
La pochette a traversé les années. C’est le symbole du cool tel que l’on continue encore à se représenter l’acteur.
Je vous propose d’écouter la première chanson de l’album un véritable classique du genre « Jean and Dinah ». C’est un titre où la voix est mise en valeur, sans aide de chœurs, la rythmique est renforcée par un jeu de trompette vivifiant.
Robert Mitchum malgré la qualité de son jeu, son nombre de films marquants, n’a jamais obtenu d’oscar. Il considéra, l‘accomplissement de ce disque comme sa récompense.
Au milieu des années 1950, sont apparus deux Calypsos: le genre musical et le navire de Jacques-Yves Cousteau.  En lieu et place du  « Monde du Silence », je vous invite à profiter de la musique des caraïbes.

Merci JJ !!!!!!!!! Régis a dit que nous avions été "très bien", mon cher JJ !!!!!!!

Régis : "Bonjour,

Le samedi 9 avril à 16h, venez régaler vos oreilles grâce à une sélection musicale autour de la gourmandise.
Tout public.
Entrée libre dans la limite des places disponibles.

La Puce à l'Oreille, écoute gourmande, dans le cadre de "La gourmandise à l'honneur dans les bibliothèques de Versailles".

Ce sera ça samedi prochain....

Voici le verbatim de ma présentation au Club d'écoute de cet après-midi :

Vous trouvez-rez ci-dessous le verbatim de ma présentation du disque de "Mavis Staples / Livin' on a High Note" lors du brunch musical à la médiathèque de Gagny.
Le disque que je vous propose aujourd’hui est le dernier album en date de la chanteuse afro-américaine « Mavis Staples ».

Ce choix m’est apparu évident pour trois raisons liées  à l’actualité musicale.
 La première est que l’album « Livin' on a High Note » paru fin février 2016 est un vrai coup de cœur qui persiste depuis ces derniers mois.
 La deuxième est par ce que Mavis Staples est l’objet d’un documentaire réalisé par Jessica Edwards « Mavis ! » qui a été diffusé par la chaine HBO, il y a quelques semaines..
 La troisième plus triste est liée à la disparition, il y a un mois jour pour jour, de Prince Rogers Nelson, l’artiste que l’on appelait Prince. Dans les coulisses , suite à un concert qu’elle avait donné,  Prince lui propose de travailler avec elle Pendant sept ans elle rejoint la planète du « Petit Prince ».

Retracer la vie de Mavis Staples, c’est retracer une partie de la musique mais également de l’histoire américaine au travers du groupe « The Staples Singers ». Ce groupe est mené par Roebuck "Pops" Staples. « Pops » est né dans le Mississipi dans une plantation de coton. Adolescent il est initié à la guitare blues par Charlie Patton un  des pionniers du  Delta Blues. Après son mariage, la famille déménage  à Chicago où il travaille dans des chantiers de construction. Il participe à un groupe « The Trumpet Jubilees » mais il n’est pas satisfait de l’implication des autres membres  Il monte donc son propre groupe avec ses enfants trois filles et un garçon. Mavis née en 1939 en est la benjamine. Ils se produisent d’abord dans des églises en chantant du gospel, mais ce n’est pas du gospel traditionnel car il est associé au blues. Rapidement, la jeune Mavis devient la vedette du groupe.
A ce moment du récit, vous vous dîtes  que je me  suis trompé dans mes fiches, un père qui monte un groupe, avec ses enfants, dont le plus jeune va devenir célèbre, il a confondu avec la vie de Michael Jackson ! Et non, mais  de temps en temps l’histoire de la musique a tendance a bégayer.
On peut également dire que l’histoire de la famille Staples est au gospel soul, ce que la « The Carter Family » est au folk, y compris son caractère religieux.
The Staples Singers ont repris « Will the Circle Be Unbroken » popularisé par  Johnny Cash, et on peut trouver la vidéo sur internet avec Johnny Cash, June Carter Cash, Pop Staples chantant ensemble cette chanson.
A la suite du succès rencontré dans les églises, le groupe signe sur the Royal label en 1953 pour un premier single « These Are They », et pendant près de trente ans, ils vont imprimer l’histoire de la musique en accompagnant son évolution, Chez Epic Record, leur musique devient plus folk. Ils reprennent par exemple la chanson « For What It’s Worth »  de Buffalo Springfield, le groupe de Neil Young. La musique devient soul chez Stax avec deux disques produits par Steve Cropper. Après la faillite de Stax, ils rejoignent le label de Curtis Mayfield et cosignent avec lui une BO Rhythm and Blues d’un film réalisé par Sidney Poitier « Let’s Do It Again » en 1975.

« The Staples Singers » c’est aussi la petite histoire qui rencontre la grande. En 1963 à Montgomery, ils donnent un concert auquel assiste le révérend Martin Luther King, et ils le rencontrent après le spectacle. Cette rencontre va changer leur carrières. Les paroles de leur chanson s’inspirent de la lutte pour l’égalité des droits civiques. Ils chantent souvent avant que Martin Luther King ne prenne la parole.
« The Staples Singers » c’est aussi la rencontre entre la musique noire américaine, et le folk rock blanc. L’influence de Pops Staples sur Bob Dylan est considérable. Bob Dylan rencontre la famille lors d’un festival et a une relation amoureuse pendant plusieurs années avec Mavis Staples, lui proposant même le mariage. Mavis refuse, se trouvant trop jeune et estimant que le pays n’était pas prêt pour accepter un couple mixte aussi iconique et médiatisé. Bob Dylan y perd sa voix et depuis je crois ne l’a pas retrouvé.
Le point culminant de la rencontre entre les deux univers musicaux a été filmé par Martin Scorsese dans le documentaire « The Last Waltz » dernier concert du groupe the Band où les deux groupes donnent l’interprétation ultime de la chanson « The Weight ».
Mavis Staples a entammé en parallèle dès 1969 une carrière solo composé de 16 albums. Elle a été produite par les plus grands artistes.
Prince lui a écrit deux disques au sein du label Paisley Park « Time Waits for No One » en 1989 et “The Voice” en 1993. Elle participe également au film « Graffitti Bridge » réalisé en 1990, considéré comme une suite de « Purple Rain ». Si les qualités cinématographique du film sont discutables, il reste néanmoins une BO magnifique dont le titre qu’elle interprète « Melody Cool ».
En 2007, Ry Cooder  produit son album, qui ne s’appelle pas Buena Mavista Social club mais « We'll Never Turn Back ». Ce sont des succès d’estime.
Le grand succès vient en 2010 et 2013 avec deux albums produits par le guitariste, chanteur du groupe Wilco Jeff Tweedy. Le premier « You Are Not Alone » remportant un Grammy Award dans la catégorie « Best Americana Album »

L’album que je vous propose  aujourd’hui « Living in a High Note » est produit par Matthew Stephen Ward dit M. Ward, un artiste folk que je considère comme une des plus grandes découvertes de ces dernières années. Il mène une carrière dans le groupe « She and Him » en duo avec l’actrice Zoey Deschanel, lointaine descendante du président  de la troisième république Paul Deschanel. Ils ont fait 4 albums ensemble She & Him Volume 1 , Volume 2, Volume 3 et .. « She & Him Classics » le dernier ne s’appelant pas volume 4 certainement pour vouloir se différencier définitivement de Led Zeppelin. Il mène également une carrière solo avec deux superbes albums « A Wasteland Companion » en 2012 et « More Rain » cette année.
En changeant de producteur, Mavis Staples a échangé un petit Tweedy contre un gros Mathew, et cela certainement le jour de la Saint Sylvestre.
Dans ce disque, Mavis Staples a fait appel à la nouvelle génération soul, folk pour lui fournir des titres inédits : Je ne peux pas tous les citer mais on retrouve Ben Harper, Aloe Black, la chanteuse country Nekko Case mais aussi le rockeur Nick Cave.

Au départ Mavis Staples avait donné comme cahier des charges à M. Ward, de fournir un disque joyeux. Elle avait cité comme exemple la chanson « Happy » de Pharrell Williams. Evidemment, le maître d’œuvre obéit, l’exemple parfait est la chanson « Don’t Cry », ne pleure pas.
En fait, le projet est détourné mais c’est finalement le parcours d’une vie. Ainsi dans la dernière chanson de l’album, « MLK words » M. Ward met en musique des extraits des discours de Martin Luther King.
Le titre « Don ‘t Cry » que nous allons écouter est  une petite perle digne des classiques de la Motown, au style très épuré, en prise direct sans effets superflus, la voix chaude de Mavis Staples suffisant à remplir tout l’espace sonore. Aucun titre ne devrait être diffusé en boîte de nuit, mais l’album vaut mieux que cela,  finalement il permet de redécouvrir Mavis en rose.

Magnifique et merci infiniment, mon JJ !!!!!!!!!!

Prochain club d'écoute : samedi 1er octobre à 15:00 à la Bibliothèque Georges Pérec de Gagny.

Ainsi que l'a souligné Régis, le Club d'écoute musicale (La Puce à l'Oreille) existe depuis près de 9 ans, un moment qui rassemble toujours autant de mélomanes passionnés. Ce fut encore une séance pleine d'émotion, notamment les albums de Gregory Alan Isakox évoluant dans un magnifique folk US et de Michael Kinawuka s'inscrivant dans une soul traditionnelle faisant presque oublier ses illustres prédécesseurs. En ce qui me concerne, j'avais opté pour le dernier album de Mother's Finest intitulé Goody 2 Shoes & The Filthy Beasts qui m'a accompagné une bonne partie de l'année 2015.













Intervention dédiée à Hervé Roche, guitariste des Lizzy Riders qui nous a quittés tout récemment.

Vous trouverez ci-dessous, le verbatim, de mon intervention au premier numéro de la Puce à l'oreille de cette année .

Le disque que je vous propose aujourd’hui est le premier CD du chanteur Marvin Jouno « Intérieur Nuit ».  
Mieux qu’un coup de cœur ce premier disque propose une vrai expérience en apnée musicale . C’est un disque dont on s’imprègne, qui s’écoute, s’entend, se lit, provoque des émotions intimes, fait voyager en évoquant des paysages.  
Marvin Jouno est un jeune trentenaire né à Saint Brieuc, et qui a grandi à Corbeil-Essonnes. Il raconte que ses parents n’avaient pas choisi de prénom à la naissance et en parcourant leur discothèque, ils sont tombés sur un disque de Marvin Gaye. Merci, merci à lui, car s’ils avaient écouté Screaming Jay Hawkins ou Electric Light Orchestra, l’officier d’état civil aurait peut-être tiqué.  Quoique Elo Jouno aurait été assez cool.

Il a d’abord démarré sa carrière dans le milieu du cinéma. Il a étudié  la mise en scène, puis a travaillé dans les métiers techniques de l’audiovisuel pendant dix ans : accessoiriste, assistant puis chef décorateur pour des films, des séries, des clips, des réclames publicitaires. Il a même été brièvement tapissier à la comédie française.
Parmi les films auxquels il a participé,  deux vous sont peut-être familiers.
« Les Fragments d’Antonin » sorti en 2006 de Gabriel Le Bomin avec Gregori Derangère et Anouk Grinberg  qui se déroule à la fin de la première guerre mondiale et narre les chocs post-traumatiques subis par les poilus et les méthodes du professeur Labrousse pour tenter de les guérir.
Le second film "Survivre avec les loups" est un film de la productrice réalisatrice Véra Belmont adaptation du roman de Misha Defonseca, qui raconte le parcours d’une petite fille qui traverse l’europe Nazie pour retrouver ses parents déportés et qui intègre une meute de loup. Le livre a fait polémique sur sa véracité, Véra Belmont a fait comme John Ford dans « L’Homme qui a tué Liberty Valance » et a imprimé la légende.

En parallèle, à ses activités dans le cinéma, Marvin Jouno a commencé une activité de photographe et de musicien.
Et puis, petit à petit, la musique a commencé à prendre de plus en plus de place. Il a travaillé sur ce projet d’album pendant deux ans avec ses proches. Comme producteur, il a  choisi un ami d’enfance Angelo Foley. Ce dernier a travaillé entre autre avec « Christine and the Queens », et sa légion d’honneur est d’avoir mixé un morceau de David Bowie pour une publicité d’une grande marque de luxe. Il a composé la musique avec Agnès Imbault dont l’instrument de prédilection est le clavier. Cette claviériste déploie son talent dont des univers musicaux allant du classique au jazz, de l’électro au rock.
C’est grâce à des radios-crochet » « Les talents Europe 1 », « Nous avons les moyens de vous faire chanter sur France-Inter » puis « Les Inouïs du Printemps de Bourges » qu’il se fait répérer. Il a chanté ainsi en première partie de Cali à Rennes, de Jeanne Cherhal à la Cigale.
Actuellement, il assure la première partie de Zazie.

Marvin Jouno veut réaliser une « pop à la française » sophistiquée mais pas élitiste.
La méthode de composition des chansons est la suivante Il écrit d'abord les textes. Il ne les finalise pas avant d'avoir trouvé la composition adéquate. Les paroles sont dans un premier temps, des prises de notes, des bons mots, des couplets écrits sous différentes formes afin de pouvoir les adapter à la ligne de chant à venir.
Son parler chanter et ses intonations de voix ont fait pensé pour beaucoup à Benjamin Biolay. J’y retrouve pour ma part les premiers disques de Jean-Louis Murat en particulier « Cheyenne Autumn », sans l’accent jurassien « Je jette une orange vers l’astre mort, quand s’éveille l’aaaange dans mon pooovre corrrps ».
Musicalement le disque est recherché et puise ses influences chez Bjork et Radiohead avec leurs arrangements subtils, matinées de sonorités étonnantes sublimant l’ensemble. La musique peut être contemplative ou très urbaine avec l’utilisation de synthétiseurs marqués années 1980. Ce coté urbain, m’évoque le disque concept musical de Marc Lavoine « L’heure d’été », qui est complètement pétri de cette musique avec Martin Jenkins spécialiste de la house  au clavier.
Ce qui m’a passionné c’est la recherche des références cinématographique ainsi le jeu sur la langue française.
Pour le cinéma, commençons par la pochette qui présente des bandes noire en haut et en bas comme un film au format 1.85, et lorsque on la déplie renvoie à une image en panorama. Le titre du disque "Intérieur Nuit" évoque un terme scénaristique pour situer une scène. Chaque titre est ainsi décrit par une ambiance.
"Antoine de 7 à 9" est une référence au film de la nouvelle vague "Cléo de 5 à 7" d’Agnès Varda. C’est également une errance dans un Paris très loin des images de carte postale, d'une jeune femme tout d'abord insouciante puis de plus en plus angoissée et assumant sa vie, en attendant les résultats d'un examen médical. Elle rencontre un jeune homme Antoine qui va être incorporé en Algérie. La chanson évoque le point de vue du jeune homme après son arrivée dans le désert. Il narre leur brève rencontre, et les regrets que la grande histoire, les ait séparés.
"Le Grand Sommeil" est une reprise d’Etienne Daho. L’ambiance du titre « Intérieur Jour, chambre appartement rue de Rennes » est évidemment associée aux origines musicales rennaises de Daho avec son groupe « Marquis de Sade ». "Le Grand Sommeil" est d'abord un roman policier de Raymond Chandler. Deux films sont tirés de cette œuvre, le plus célèbre est la version de 1946 avec Humphrey Bogart et Lauren Bacall. A noter que la chanson est incluse dans l'album "La Notte, la Notte", qui est aussi un film de Michelangelo Antonioni.
« Dans quitte à me quitter » il y a une référence à « Va vis et deviens » film de Radu Mihaileanu.
Jeudi 25 août, Marvin Jouno a donné un concert lors du Festival du Film Francophone d'Angoulême. Et le soir même a été diffusé un moyen métrage influencé par Tarkoski et Wenders rassemblant les clips de l’album et qui donnent une cohérence à l’ensemble des titres.
Regardons, le jeu sur la langue française. Les paroles sont à double sens, ce qu’on entend n’est pas ce qu’on lit. Dans une de ces premières chansons « L’ivoire » le ton est donné. Cela peut se comprendre comme lire et voir. Dans « Antoine de 5 à 7 », il chante « j’ai encore moins que 5 à 7 et on lit ascètes comme adjectif d’ascètisme ». « Larme blanche »  peut se comprendre comme lacrymal ou comme couteau. Dans « Quitte à me quitter » on entend « de mon abri souterrain » et en fait il est écrit « sous tes reins ». Il y a aussi des fulgurantes poétiques comme « Tes murmures ont mes oreilles », « Je n’ai pas fini voyage au bout de l’ennui », « J’ai cru Bruxelles plus belle et ma peine capitale », « J’ai le soleil en sac à dos ».
La chanson « Love Later » se traduit comme un amour plus tard, mais aussi un jeu de mot sur Letter : lettre manuscrite ou alphabétique. Dans le texte toutes les lettres de l’alphabet sont écrites dans l’ordre lexicographique en lettre capitale de A « A priori » à Z « on fera un feu pour qu’il nous (Z)aide » . C’est aussi une référence à l’album des anglais de Metronomy.
Je vous propose d’entrer dans le monde de Jouno, via le titre rythmé  « Si le vous vous plait »
Après je vous conseillerai si vous empruntez le disque de vous pencher sur les paroles tels que les Lee, Marvin.

Merci cher Jj !!!!!!!!!!!!

Jean-Jacques, Philippe... vous êtes mes héros ! Merci !

Et toi, tu es notre Maître à tous !!!!!!!!!!!!!!!!

Club d'écoute musicale thématique : "Musique et Paysage".

Samedi 15 octobre à 16:00 - 17:30

Médiathèque du Ru de Nesles, 11 Avenue des Pyramides, 77420 Champs-sur-Marne.

Prestation de JJ :



Avec Marie-Jeanne à gauche...

https://led-zeppelin.forumsactifs.com/t717-marie-jeanne?highlight=marie

T' en fais une tête mon Penchou!!??
Il débriefait le dernier Céline Dion ton pote ou quoi ???

Auparavant au Club d'écoute musicale, les participants consommaient ceci.

Et ça vient de l' île fantastique ???

En ce samedi ensoleillé, le Club d'écoute musicale s'expatriait à la Médiathèque du Ru de Nesles à Champs sur Marne pour une séance thématique consacrée à la Musique liée à la notion de paysage et ce, devant un parterre de mélomanes fort attentifs. Ainsi que vous l'avez remarqué sur le programme, Led Zeppelin était à l'honneur avec le légendaire Kashmir, exposé par un Régis passionné et tellement érudit. Bref, encore un moment d'intenses émotions et ce, malgré une enceinte qui avait rendu l'âme, conférant à l'ensemble un son un peu minimaliste, aléa devant lequel le sage Régis saura affronter avec brio et grande classe...    












RIP l'enceinte....












Mon pote Thierry.

Bravo et félicitation à vous tous

Frisou

Bonjour,
Vous trouverez ci-dessous, le verbatim, de mon intervention de la Puce à l'oreille organisée le 03 décembre 2016 à la médiathèque de Gagny.

Le disque que je vous propose est le dernier album du groupe anglais Kula Shaker.  Un moyen mnémotechnique pour retenir le nom 1er Indice Titanic : coula 2ème Indice : Ustensile du barman : Shaker. Ce groupe qui a fêté ses vingt ans d’existence est un des groupes emblématiques du  mouvement BritPop.
Ce mouvement avait deux influences :
La première : les groupes des années 1960 et des années 1970 les Beatles, les Rolling Stones, Pink Floyd, les Who: ceux que l’on a appelé la British Invasion en raison de leur immense succès aux Etats-Unis qui éclipsa les vedettes américaines de l’époque.
La seconde : les artistes Glam Rock David Bowie ou T. Rex ou punks comme les Clash, Madness, ou Elvis Costello.
Comme beaucoup de mouvements musicaux, la BritPop est un mouvement en réaction à un autre, en l’occurrence le grunge avec les groupes américains: Nirvana ou Pearl Jam

Le disque phare du début de la Brit pop est l’album solo de Paul Weller leader des Jam « Wild Wood ». Il devient ainsi l’icône emblématique des artistes mod pour moderniste.
On peut décomposer la BritPop en deux phases de 1993 à 1995, apparaissent 45 groupes. Rassurez-vous, je ne vais pas tous les citer. Les plus célèbres sont Blur et Oasis. Personnellement, Suede et Pulp ont ma préférence.
Seconde phase de 96 à 98, la source se tarit : seulement 37 groupes émergent dont Cast et Travis.
Chaque semaine, les journaux musicaux présentent les nouveaux Beatles ou Stones, mais le grand public est passé à autre chose, et pas pour le meilleur avec l’apparition des Boys Band.
Kula Shaker est un groupe composé du bassiste Alonzo Bevan, du batteur Paul Winterhart et du clavier Jay Darlington, mais surtout de son leader le chanteur guitariste Crispian Mills.

Crispian Mills, né en 1973, dans le quartier Hammersmith de Londres est un enfant de la balle, pas dans le domaine musical, mais dans celui  du cinéma.
Son père Roy Boulting et son oncle John étaient des réalisateurs reconnus faisant par exemple tourner Peter Sellers dans des comédies avant sa période américaine.
Coté maternel, son grand-père Sir John Mills est un des acteurs du cinéma anglais les plus respectés, ami des acteurs shakespeariens comme Laurence Olivier. Il a reçu un oscar pour « La Fille de  Ryan » en 1970 et a tourné dans Gandhi sous la direction de Richard Attenborough,
Sa mère Hayley Smith a commencé à jouer des l’âge de 12 ans, dans deux films Disney « Les aventures du Capitaine Grant » adapté de Jules Verne et « l’espion aux pattes de velours ».
Mais c’est sa tante du coté maternelle qui a pour moi obtenu le plus beau rôle dans « Avanti » de Billy Wilder au coté de Jack Lemmon,

Les premières influences musicales de Crispian Mills sont les « Kinks » et « Deep Purple ». Avec son camarade de lycée Alonzo Bevan , il décide de monter un groupe. Ce qui va changer sa vie et donner l’originalité de Kula Shaker, c’est sa découverte de la culture indienne via la lecture du « Mahabharata », et de l’hindouisme. Un séjour en Inde va achever sa transformation spirituelle étant même rebaptisé « Krishna Kantha » par le mouvement Hare Krishna. D’un point de vue musical, va s’opérer un mélange entre le rock psychédélique britannique et la musique indienne via l’utilisation du sitar, du tambourin avec des mantrats dans les chœurs.
Cette influence n’est pas nouvelle dans la musique anglaise. Mené par Georges Harrison, les Beatles font un séjour en Inde de février à avril 1968, dont l’influence dans leurs chansons est indéniable, 48 titres furent composés durant cette période.
Led Zeppelin va intégrer la musique indienne, « Kashmir » vient immédiatement à l’esprit.
Plus près de nous, le groupe Cornershop du chanteur Tinder Singh, au nom prédestiné, pratique le mélange de musique indienne, de rock  britannique et de musique électronique.

Le nom Kula Shaker vient d’un des douze saints du sud de l’Inde l’empereur Kulashkhara.
Le groupe se fait connaître en étant co-vainqueur d’un concours « In the city » avec Placebo. Ils signent un contrat avec Columbia record et sortent leur premier disque « K » en octobre 1996, Dans la chanson « Govinda » les paroles sont écrites et chantées en sanscrit.
Le titre « Tatva » signifie vérité, principe essentiel et désigne dans la philosophie indienne: les trois courants religieux l’hindouisme, le bouddhisme et le jainisme.
La pochette est de Dave Gibbons,  dessinateur de la bande dessinée « Watchmen ».
Le disque est un triomphe en Angleterre et aux Etats-Unis.
Après ce premier disque « Kula Shaker » reprennent avec talent le titre « Hush », qui est joué dans la bande originale du film d’horreur « I know what You did last Summer ». Hush n’est pas un titre original de Deep Purple mais une chanson de Joe South qui sera intégrée via Richie Blackmore dans le répertoire du groupe.

Le deuxième album « Peasans Pigs and Astronauts » est attendu impatiemment. Ils ont quasiment chéquier ouvert, ils enregistrent dans le studio péniche Astoria de David Gilmour ce qui coûta une petite fortune à la maison de disque. Pourtant le disque est un échec commercial. Intrinsèquement l’album est très bon, mais il est moins bien accueilli, et à cela s’ajoute des propos plus que maladroits, si on est très très gentil, de Crispian Mills, de plus montés en épingles par les tabloids. Malgré une lettre d’excuse le mal est fait et le groupe se sépare en 1999.
Crispian Mills monte un groupe parallèle The Jeevas et réalise un film « A fantastic Fear of Everything » avec Simon Pegg.
En 2006, le groupe se reforme pour quelques concerts. Un album « Strangefolk » produit dans leur propre studio sort en 2007, et une compilation agrémentée d’inédits les remet sur le devant de la scène. Le quatrième album « Pilgrim Progress » en 2010 reçoit les meilleures critiques depuis leur début.

Le titre du disque d’aujourd’hui « K 2.0 » a un triple signification : cela peut se comprendre comme le titre de leur premier album K 20 ans après. C’est également une nouvelle version améliorée de leur art, une version 2.0. Mais aussi une référence à la montagne K2, le deuxième sommet le plus élevé après l’Everest.
C’est la diversité du disque qui en a fait pour moi un vrai coup de cœur. On retrouve dans des chansons typiques de l’époque « K » comme « Infinite Sun » où j’y ai vu une référence à Amma « La mère divine de l’Inde » qui lors de la cérémonie du « Darshan » a serré dans ses bras plusieurs milliers de personnes. La chanson « Oh Mary » a une influence George Harrisonienne et Crispian Mills passe dans le même couplet d’un sitar hero à un guitar hero.
« Here comes my Demons » est un titre poignant et sombre qui fait apparaître les démons intérieurs du narrateur via une musique pleine de bruit et de colère. On trouve également un titre aux sonorités funk « Get right get ready » et un autre country « 33 crows ».
J’ai choisi de vous présenter le titre « Mountain Lifter » car il est caractéristique du style du groupe avec son évolution vers d’autres sommets.
Symboliquement, ils reprennent la thématique de l’ascension d’une montagne, le début est apaisant, mais au fur et à mesure la tension monte, les éléments se déchaînent, il y a une référence aux Stones dans les paroles « Give me some Shelter » « Donnez-moi un abri ». Prenez votre pull en cachemire, car comme dans « Game of Throne », l’hiver arrive.  

Après K en 1996, K 2.0 en 2016, j’espère que le groupe n’attendra pas encore vingt ans pour sortir la troisième épopée de leur voyage intérieur au cœur de la musique et de la mystique indienne. Je vais d’ailleurs tout de suite leur proposer un titre d’album « K épisode 3: la revanche des Sitars ».